Under ett tak av överhängande grenar står en naken man med ena handen lyft fundersamt mot munnen medan en sittande kvinna vid foten av ett stort träd i närheten vänder blicken uppåt mot en orm lindad runt stammen. Detta är den design som den danske neoklassiska målaren Nicolai Abildgaard tillverkade år 1780 för en graverad Adam och Eva , ett ark som nu innehas bland Nationalmuseums trycksamlingar i Stockholm. Trycket, som är signerat i nedre marginalen med den sedvanliga arbetsfördelningen mellan uppfinnare och gravör, tillhör den bredare traditionen av bokillustrationer i slutet av 1700-talet, där akademiskt utbildade målare levererade kompositioner som professionella grafiker sedan översatte till koppar.
Adam upptar den vänstra delen av plattan, hans vikt vilande på ett ben i en ställning som påminner om den studerade kontrasten i akademisk teckning snarare än någon specifikt doktrinär pose. Vågor av hår inramar ett ansikte som är lätt åt sidan vänt, och handen som trycks mot hans haka läses mindre som upprördhet än som en uppehållen tanke – pausen hos en figur som väger ett beslut snarare än en som redan har gett sig hän åt det. Låga buskar och en sliten stig håller honom stadigt i tryckets jordiska rum, även när träden ovanför upplöses i en fint kläckt skärm av lövverk och frukt.
Eva sitter avskild, på en grov utsprång under stammen från vilken ormen stiger ner. Hon vrider sin överkropp mot reptilen snarare än mot sin följeslagare, det långa håret faller löst över hennes axel och nerför hennes rygg på ett sätt som lika mycket beror på akademiska konventioner om kvinnlig nakenhet som på bibliska prejudikat. En arm vilar längs ett upphöjt knä; den andra släpar sig mot marken, en bar fot precis vidrör jorden. Ormen, byggd upp genom en tätare, mer mekanisk kläckning än den mjukare modellering som används för köttet, slingrar sig två gånger runt trädet innan den sänker sitt huvud mot henne – ögonblicket, tydligen, precis innan frukten byter ägare snarare än efter, eftersom grenarna ovanför fortfarande hänger tunga av det som gravören har ansträngt sig för att återge som moget.
Nicolai Abildgaards Design för Adam och Eva
Den nedre marginalen bevarar de två inskriptioner som är typiska för reproduktiv grafik under denna period: en tillskrivning som tillskriver Abildgaard uppfinningen av kompositionen, och en separat gravörssignatur som ansvarar för att överföra den designen till plattan. Skillnaden är inte tillfällig. Abildgaard arbetade huvudsakligen som målare och tecknare, och den fina, jämna korsstreckningen som bygger volym över Adams torso och beskriver de vikande bergsryggarna bortom tillhör gravörens hantverk, i enlighet med konventioner för tongradering som etablerats långt före någon av männens karriärer. Ett sidnummer i det övre hörnet, där sidan 202 läses , bekräftar att arket inte var tänkt som ett självständigt tryck utan som en illustration bunden till en större volym – troligen en biblisk eller andaktsfull text som var vanlig i Nordeuropa vid den tiden, även om ingenting på själva plattan identifierar vilken.
Abildgaard utbildades först i Köpenhamn och därefter i Rom, där långvarig kontakt med antik skulptur formade det figurspråk han skulle använda under resten av sin karriär, men återvände hem för att med tiden bli professor och senare chef vid Det Kungliga Danska Kunstakademiet. Adam och Eva -designen är från samma decennium då detta rykte fortfarande byggdes upp, och den passar bekvämt in i den nordeuropeiska neoklassicismens bredare ambitioner att förena antika kroppsideal med berättande motiv hämtade från både Skriften och litteraturen.
Neoklassisk anatomi och landskap
Båda figurerna förråder den anatomiska disciplinen vid de akademier där Abildgaard utbildade sig och senare undervisade: idealiserade proportioner, en muskulatur som mer studerades än kändes, ett uttryck som hålls på ett visst avstånd från öppen känsla även i en scen laddad med konsekvenser. Landskapet, däremot, hanteras med en lösare, mer atmosfärisk touch. Skiktade åsar drar sig tillbaka in i moln genom parallella och korsstreckade linjer av varierande täthet, vilket placerar berättelsen i ett rumsligt övertygande mellanavstånd helt olikt de tillplattade bakgrunderna i tidigare religiösa trycktraditioner. Akademisk figur och pittoreskt landskap möts här utan att helt upplösas i ett idiom, vilket kanske är tryckets mest talande drag.
Huruvida arket huvudsakligen var avsett som moralisk illustration för en hängiven läsarkrets, eller helt enkelt som ytterligare en demonstration av Abildgaards behärskning av den mänskliga formen, är svårt att fastställa med säkerhet i avsaknad av den medföljande texten. Själva planschen visar endast bilden, sidnumret och de två namnen som finns i marginalen.