Die dreiteilige Anordnung der Apsis vereint himmlischen Ruhm, historische göttliche Gemeinschaft und liturgische Ordnung in den Fresken des Klosters Philanthropinon.
Auf der Insel scheint die Feuchtigkeit nicht nur den Stein, sondern auch die Zeit zu durchdringen. Es ist ein seltsames Gefühl von Schwere und Erhebung zugleich, wenn man die Schwelle überschreitet. Es ist nicht nur ein Ort der Anbetung, sondern eine Hülle der Erinnerung. In der byzantinischen Kunst sind die Dinge selten das, was sie auf den ersten Blick erscheinen. Man muss innehalten. Warten, bis das Licht richtig fällt oder das Auge sich an das Halbdunkel gewöhnt.
Hier, im inneren Dekor, wird die Geschichte nicht mit Tinte, sondern mit Farben geschrieben, die – wer weiß wie? – der Abnutzung und menschlicher Nachlässigkeit standgehalten haben. Der Blick wird fast instinktiv nach oben gezogen. Es scheint, als gäbe es eine unsichtbare Linie, die einen zur Apsis führt. Dort geschieht etwas Bedeutendes. Nicht laut. Bedeutend in der Stille. Die Kunst in diesem Denkmal fungiert als Aufzeichnung einer Gesellschaft, die gelernt hat, durch Symbole zu sprechen, vielleicht weil Worte arm oder gefährlich waren.
Man sieht die Figuren und fragt sich nach dem Handwerker. Wie fühlte er sich, als er den Kalk auftrug? Hatte er das Bewusstsein, Geschichte zu schaffen, oder machte er einfach seine Arbeit? Wahrscheinlich Letzteres. Doch das Erste trat zutage. Eine Kunst, die nicht schreit, sondern eindringlich flüstert. Es ist schwer, das jemandem zu erklären, der nie vor einer solchen Wand gestanden hat, um die Textur des Bildes zu spüren, die ihn zurück anblickt.
Visuelle Erzählung und Dynamik der Figuren im Heiligen Raum
Der Blick ist auf die Apsis gerichtet. Es ist der Fluchtpunkt und der Rückkehrpunkt. Dort thront die Platytera. Eine Figur, die den Raum nicht so sehr mit ihrem Volumen, sondern mit ihrer Präsenz einnimmt. Sie ist die Blachernitissa. Ihre Hände sind erhoben. Eine Geste des Gebets, sagen die Experten. Ich sehe eine Geste des Öffnens. Eine Umarmung, die in der Schwebe bleibt, bereit, die Welt in sich zu schließen oder sie freizulassen. In ihrer Brust, Christus in Herrlichkeit. Hier ist er kein Säugling; er ist die Inkarnation des Wortes, eine theologische Aussage, gemalt mit Ocker und Gold.
Umgeben von den Erzengeln Michael und Gabriel. Sie stehen respektvoll. Doch nicht unbeweglich. Es gibt eine leichte Neigung ihrer Körper, eine Unterwerfung unter den Rhythmus der zentralen Figur. Die Jungfrau Maria fungiert hier als Schutz. Zuflucht. Es ist vielleicht das menschlichste Bedürfnis, das an der Wand festgehalten wurde: das Bedürfnis nach Schutz. Und die Malerei antwortet darauf. Die Kurven sind sanft, vermeiden Härte und schaffen ein Gefühl von Sicherheit.
Rhythmische Bewegung der Apostolischen Gemeinschaft
Wenn man den Blick senkt, weicht die Ruhe der Spitze der Bewegung. In der Zone direkt darunter entfaltet sich die Gemeinschaft der Apostel. Hier entschied der Maler, mit dem Rhythmus zu spielen. Das Thema ist bekannt: die Übertragung und die Kommunion. Aber achtet auf ihre Füße. Der Schritt.
Die Szene teilt sich in zwei. Zwei Halbkreise. Es ist wie eine Theaterbühne, auf der die Schauspieler genau wissen, wo sie stehen müssen. Christus erscheint doppelt, unter einem Kasten, einer architektonischen Konstruktion, die den Raum definiert und einer Fläche Tiefe verleiht, die per Definition flach ist. Er trägt weiße, priesterliche Gewänder. Das Weiß hier ist nicht nur eine Farbe; es ist Licht. Es hebt sich von den erdigen Tönen der anderen ab.
Die Jünger nähern sich in Gruppen von sechs. Es gibt eine Erwartung in ihren Körpern. Ausgestreckte Hände, Körper, die sich leicht nach vorne neigen. Petrus und Johannes, die Führenden, sind die ersten, die das Brot und den Wein empfangen. Interessant ist, wie der Künstler die Gemeinschaft behandelt hat. Es ist keine Masse von Menschen. Jeder hat seine eigene Existenz, seinen eigenen „Atem“ innerhalb der Komposition, obwohl sie denselben Weg folgen.
Und dann gibt es dieses Detail, das das Gleichgewicht stört. Am linken Rand. Judas. Er geht. Sein Körper wendet sich dem Ausgang zu, der Kopf gesenkt. Er steckt das Brot in seinen Mund, aber seine Gedanken sind woanders. Bei der Verräterei? Bei der Flucht? Sein Rücken ist dem Betrachter zugewandt, eine visuelle Abwendung, die Spannung erzeugt. Es ist der „Riss“ in der Harmonie der Szene. Der Maler hatte keine Angst, diese Hässlichkeit, das menschliche Versagen, neben der Heiligkeit zu zeigen. Es ist erschütternd, wenn man darüber nachdenkt. Kunst beschönigt nicht immer; manchmal offenbart sie.
Der Melismos und die Stille der Hierarchen
Weiter unten, an der Basis der Apsis, scheint die Zeit erneut stillzustehen. Hier haben wir den Melismos. Vier große Figuren, die Hierarchen, umgeben den Heiligen Tisch. Johannes Chrysostomus, Gregor der Theologe, der Große Basilius und Kyrill von Alexandria. Sie stehen, oder besser gesagt, sie zelebrieren mit einer Schwere, die ihren Gewändern entspricht.
Sie tragen die multikreuzigen Sakkos, schwere Stoffe mit geometrischen Mustern, die der Künstler mit Sorgfalt wiedergegeben hat. Sie halten die Eileta, diese langen Eileitern mit den Texten der Liturgie. Hier wird die Schrift Teil des Bildes. Die Buchstaben sind aus der Ferne nicht leicht zu lesen, aber ihre Präsenz bezeugt die Gültigkeit des Mysteriums.
Zwei Engel, als Diakone gekleidet, halten die Rhipidia mit den sechsflügeligen Seraphim über dem Tisch. Die Symmetrie ist vollkommen. Im Gegensatz zur Beweglichkeit der Apostel weiter oben herrscht hier Ordnung. Eine Ordnung, die fast überweltlich ist. Die Gesichter der Hierarchen sind streng, asketisch, mit diesen großen Augen der byzantinischen Technik, die scheinen, über den Betrachter hinauszuschauen, in eine Zeit, die nicht endet.
Die Farbe spielt hier eine entscheidende Rolle. Die Nuancen der Gewänder, das Gold der Heiligenscheine, das Weiß des Heiligen Tisches, all dies bildet ein Ensemble, das selbst im Halbdunkel strahlt. Es sind Kunstwerke, ja. Aber sie sind auch Zeugnisse einer Zeit, in der Schönheit der einzige Weg war, das Unbekannte zu erreichen.
Die Betrachtung dieser Werke, wie auch anderer ikonographischer Darstellungen in der Region, zeigt uns, dass die Kunst in Ioannina zu dieser Zeit nicht provinziell oder isoliert war. Sie hatte Wissen, sie hatte Technik und vor allem, sie hatte eine Meinung.
Wenn man die Apsis insgesamt betrachtet, erkennt man die Weisheit der Komposition. Von der himmlischen Ruhe der Platytera über die historische Bewegung der Apostel bis hin zur liturgischen Stabilität der Hierarchen. Drei Ebenen, drei Welten, die an derselben Wand koexistieren. Und du, der Betrachter, stehst klein vor diesem Maßstab und versuchst, die Blicke zu entschlüsseln, die dich seit Jahrhunderten anstarren. Es ist letztlich ein Treffen. Still, aber entscheidend.
