No monumental óleo sobre tela que adorna hoje a National Gallery de Londres, Niccolò dell’ Abbate entrega a narrativa mitológica à imensidão do espaço, deixando a paisagem engolir os protagonistas do drama. Executada durante o período final da criação do artista italiano, entre 1552 e 1571, a obra constitui o apogeu de uma concepção profundamente maneirista, onde o ambiente natural deixa de funcionar como um simples cenário de acompanhamento. Os corpos em primeiro plano vibram submetidos a uma coreografia de fuga, o olho capta imediatamente a nudez, o ímpeto de Aristeu que persegue, os tecidos que esvoaçam, as figuras das ninfas que reagem à ameaça. Enormes massas geológicas, rochedos íngremes e escuros, uma cidade inteira escondida ao fundo, o mar que desvanece e se perde no horizonte compõem a indiferença cósmica da criação. De uma criação que permanece silenciosa, imóvel diante do efêmero. No lado direito, já caída no chão, a figura feminina já se rendeu. A serpente venenosa atacou, o tempo para ela parou.
Mais além, no alto de uma pequena colina verdejante, Orfeu, absorvido exclusivamente em sua própria melodia, encanta ignorante os animais, completamente alheio ao silêncio que se prepara para inundar a sua vida. A enorme distância entre a sua arte que domestica a natureza e o evento fatal na floresta, reforça a sensação do inelutável.
A Morte de Eurídice: A arte da ilusão panorâmica
As cores seguem um percurso rigoroso, desde os ocres terrosos e pesados do primeiro plano em direção aos tons frios e atmosféricos de uma profundidade que recua constantemente. Exatamente aqui, o pintor de Modena, tendo assimilado organicamente as influências flamengas da pintura de paisagem panorâmica durante a sua longa estadia na corte francesa de Fontainebleau, constrói sucessivos níveis de distância. Distâncias que parecem vastas, quase inacessíveis. Uma mulher corre lançando olhares espasmódicos para trás, as suas roupas, azuis e de um branco ofuscante, contorcem-se. Contorcem-se aprisionando o ar, impondo um ritmo frenético em seu esforço para escapar. Ao lado, outras figuras conectam-se com o perseguidor em uma complexa cadeia de gestos, enquanto os corpos, ligeiramente alongados segundo os ditames da corrente, mantêm uma estranheza, parecem leves, imateriais quase, apesar da intensidade da perseguição. Aristeu, impetuoso, com o seu manto a inflar ameaçadoramente, invade o enquadramento trazendo a agitação física.
A tragédia fragmenta-se rapidamente, dissolve-se dentro da paisagem. A morte inesperada na sombra das árvores não provoca nenhuma perturbação substancial no resto da criação luminosa. A meticulosa representação das folhas, os edifícios elaborados que se delineiam com precisão arquitetônica nas margens da água, os navios que esperam ancorados, a distante cordilheira que derrete dentro das nuvens, tudo continua o seu funcionamento perpétuo e gélido. A natureza, tal como é concebida, permanece soberana, panorâmica, absoluta. Evitando a fácil carga emocional, o artista transfere o verdadeiro peso para a exploração visual e fria do espectador. O olhar viaja reflexamente desde os corpos agitados do proscênio até as pastagens calmas, dali aos castelos murados e, finalmente, termina, exausto talvez, na luz distante e tênue do horizonte. É uma transição orgânica do ruído da tragédia para o silêncio espacial absoluto, uma separação vertical que reflete o abismo entre a pulsação da vida e o vazio que naturalmente se segue, sem moralismos, sem qualquer promessa de redenção artificial.
(Esta é uma tradução do texto grego, traduzida por P. Ioannou.)
