En el monumental óleo sobre lienzo que adorna hoy la National Gallery de Londres, Niccolò dell’ Abbate entrega la narración mitológica a la inmensidad del espacio, dejando que el paisaje devore a los protagonistas del drama. Ejecutada durante el período tardío de creación del artista italiano, entre 1552 y 1571, la obra constituye el apogeo de una concepción profundamente manierista, donde el entorno natural deja de funcionar como un simple decorado de acompañamiento. Los cuerpos en primer plano vibran sometidos a una coreografía de huida; el ojo capta de inmediato la desnudez, el ímpetu de Aristeo que persigue, las telas que ondean, las figuras de las ninfas que reaccionan a la amenaza. Enormes masas geológicas, escarpadas rocas oscuras, toda una ciudad escondida en el fondo y el mar que se desvanece y se pierde en el horizonte, componen la indiferencia cósmica de la creación. Una creación que se yergue silenciosa, inmóvil ante lo efímero. En el lado derecho, caída ya en el suelo, la figura femenina ya se ha rendido. La serpiente venenosa ha atacado; el tiempo para ella se detuvo.
Más allá, en lo alto de una colina verdeante, Orfeo, absorto exclusivamente en su propia melodía, encanta ignorante a los animales, completamente ajeno al silencio que se prepara para inundar su vida. La enorme distancia entre su arte que domestica a la naturaleza y el evento fatal en el bosque, refuerza la sensación de lo ineludible.
La muerte de Eurídice: El arte de la ilusión panorámica
Los colores siguen una ruta estricta, desde los ocres pesados y terrosos del primer plano hacia las tonalidades frías y atmosféricas de una profundidad que retrocede continuamente. Es precisamente aquí donde el pintor de Módena, habiendo asimilado orgánicamente las influencias flamencas de la pintura de paisaje panorámico durante su larga estancia en la corte francesa de Fontainebleau, construye sucesivos niveles de distancia. Distancias que parecen vastas, casi inaccesibles. Una mujer corre lanzando miradas espasmódicas tras de sí; sus ropas, azules y deslumbrantemente blancas, se retuercen. Se retuercen atrapando el aire, imponiendo un ritmo frenético a su intento de escapar. Al lado, otras figuras se conectan con el perseguidor en una intrincada cadena de gestos, mientras los cuerpos, ligeramente alargados según los dictados de la corriente, mantienen una paradoja: parecen ligeros, casi inmateriales, a pesar de la tensión de la persecución. Aristeo, impetuoso, con su manto hinchándose amenazadoramente, irrumpe en el encuadre trayendo la turbulencia física.
La tragedia se fragmenta rápidamente, se disuelve en el paisaje. La muerte inesperada a la sombra de los árboles no provoca ninguna alteración sustancial en el resto de la creación luminosa. La meticulosa representación de las hojas, los elaborados edificios que se perfilan con precisión arquitectónica en las orillas del agua, los barcos que esperan amarrados, la lejana cordillera que se funde en las nubes, todo continúa su función perpetua y gélida. La naturaleza, tal como se concibe, se erige soberana, panorámica, absoluta. Evitando la carga emocional fácil, el artista traslada el peso real a la exploración visual y fría del espectador. La mirada viaja instintivamente desde los cuerpos alterados del proscenio a los tranquilos pastos, de allí a los castillos amurallados y finalmente termina, quizás exhausta, en la luz lejana y tenue del horizonte. Es una transición orgánica del ruido de la tragedia a la absoluta quietud espacial, una separación vertical que refleja el abismo entre el pulso de la vida y el vacío que la sigue de manera natural, sin moralismos, sin ninguna promesa de redención artificial.
(Traducido del texto griego por E. Georgiou.)
